爵士乐的历史？谁知道爵士乐的详细的发展史，要重要的人物及作品

本文目录

• 爵士乐的历史
• 谁知道爵士乐的详细的发展史，要重要的人物及作品
• 爵士乐的前世与今生 · 今生
• 爵士乐的发展历程是怎么样的
• 爵士的爵士的起源1

爵士乐的历史

19世纪期间，音乐是美国南部种植园黑人奴隶们表达自我生活和情感的重要手段。

从19世纪末开始，爵士乐以英美传统音乐为基础，混合了布鲁斯、拉格泰姆及其它音乐类型，是一种“混血”的产物。

美洲的黑人音乐保存了大量非洲特色，节奏特色明显，而且保留了集体即兴创作的特点。

这种传统与新居住地的音乐——大部分是声乐——结合起来，结果诞生的不仅仅是一种新的声音而是一种全新的音乐表达形式。

最有名的非洲—美洲音乐是宗教性的。

这些优美动人的歌曲白人也听，不过比乡村黑人教堂里演唱的这类歌曲多一分上流社会的味道。

今天人们所知道的福音音乐(gospel music）更准确地说是反映了早期非洲裔美洲人的情感力量及旋律感，而不是对二十世纪起初十年中著名的Fisk Jubilee Singers的音乐中宗教性的继承。

其它早期的音乐形式包括可以追溯到蓄奴制时代的做工歌曲、儿歌及舞曲，这些都成为重要的音乐遗产，特别要考虑到在当时的制度下，音乐活动受到相当严格的限制。

布鲁斯（Blues）的诞生

在蓄奴制被废，黑奴得到解放以后，非洲—美洲音乐的发展很快。

军乐团所弃用的乐器加上新获得的迁徙自由形成了爵士乐的根底：铜管乐、舞曲、布鲁斯。

布鲁斯作为一种音乐形式看似简单，实际可以有几乎是无穷的变化，一直是任何一种爵士乐的重要组成部分，而且它成功地保持了自身独立的存在。

可以说如果没有布鲁斯就不可能有今天的摇滚乐。

简单说明一般布鲁斯的特点就是：它以每八或十二小节为一个乐段的音乐所组成，歌词紧密，它的“忧郁(蓝色）”特色产生的原因是将音阶中的“mi”音及“si”音降了半音。

实际上，布鲁斯是作为与宗教音乐相对应的一种世俗音乐形式。

到了十九世纪八十年代后期，在美国绝大多数南部城市内，都出现了黑人铜管乐队、舞曲乐队及音乐会乐队。

与此同时，美国北部的黑人音乐倾向于欧陆风格。

在该时期，拉格泰姆（Ragtime）开始形成。

虽然拉格泰姆主要是在钢琴上弹奏，但是一些乐队也开始演奏它。

拉格泰姆的黄金时代大约是在1898年到1908年，但它的时间跨度实际很大，影响绵延不绝。

2000年，它又被发掘出来，新的拉格泰姆特征是旋律迷人，大量使用切分音，但它的布鲁斯因素几乎荡然无存。

拉格泰姆与早期爵士乐联系密切，但可以肯定的是拉格泰姆节奏较为稳定。

拉格泰姆最有名的作曲家是Scott Joplin（1868-1917）。

其他有名的拉格泰姆大师包括James Scott、Louis Chauvink Eubie Blake（1883-1983）、Joseph Lamb等，其中后者虽然是白人，然而他完全吸收了这种音乐形式的内涵。

新奥尔良在诞生及发展过程中扮演了一个关键的角色。

在这里，对爵士乐早期的历史研究及记录比在其它地方都进行得更加深入。

在1895年到1917年这一段时间里，新奥尔良的爵士乐比起其它地方可能是种类更多、更好，但这绝不意味着新奥尔良是产生爵士乐唯一的一个地方。

在每一个有相当数量黑人聚居的美国南部城市所产生的音乐都应被视为是早期爵士乐的一种。

如在孟菲斯就出现了W．C．Handy（1873-1958）这样一位布鲁斯作曲家和搜集者。

其它城市还有亚特兰大、巴尔的摩等。

当时的新奥尔良显得卓尔不群得益于其非常开放及自由的社会氛围。

不同信仰及不同种族的人可以相互联络，因此在这种容易沟通的环境下的音乐传统十分丰富，有法国的、西班牙的、爱尔兰的及非洲的。

这样，新奥尔良成为孕育爵士乐的肥沃土壤就一点也不奇怪了。

如果说新奥尔良是爵士乐诞生之地的这种说法虽有夸大，但还不失几分真实的话，那种关于爵士乐是诞生于红灯区的说法则完全是胡说八道。

虽然新奥尔良的确曾经使娼业合法化并因此产生了几座全美国最精致和有品位的“运动屋”，但是在这些地方所演奏的音乐如果有也只是钢琴独奏而已。

实际上，人们第一次听到爵士是在与此颇不相同的场所。

当时，新奥尔良引人注目的是有许多社团及兄弟会式的组织，它们大部分资助或雇佣一支乐队以在不同的场合——如室内或室外舞会、野餐会、商店开张仪式、生日或周年纪念派对上演奏。

当然，演奏爵士乐也是葬礼队伍行进的一个特色，一直到今天还是这样。

根据传统，乐队 *** 在教堂门口，演奏着庄严的进行曲及悲伤的圣歌，带领着葬礼队伍向着墓地徐徐前进。

在回来的路上，人们的步伐加快，轻快的进行曲和拉格泰姆代替了挽歌。

这种列队行进总是能吸引很多人观看，在爵士乐的发展上有重要意义。

那些小号手及单簧管手们就是在此时一展其创造天分，而鼓手们也打出了富于节奏性的节拍，这成为使拍子变得摇摆的基础。

一般地说，爵士乐都是二拍子的，每小节两拍或四拍。

这种二拍子的节奏背景在低音部始终存在，使得爵士乐有一个稳定的、规律的节奏基础。

在节奏性低音的上方，则是重音位置不规则的旋律、和声和对位声部，它们惯常使用的切分音效果与规律的低音声部之间形成了强烈的对比。

在这些早期的乐队中乐手绝大多数是某种工匠（木匠、砌砖匠、裁缝等）或者是那些在周末或假期内作音乐演出并赚些小钱的干活人。

第一位新奥尔良的有名乐手，就是第一个爵士乐手Buddy Bolden（1877-1931），他是一位理发师。

他演奏短号并于十九世纪九十年代后期组成了一个乐队。

他可能是第一个将根源、粗糙的布鲁斯与传统乐队音乐结合起来的人，这一步在爵士发展史上意义重大。

Bolden在Mardi　Gras的一次 *** 演出时因精神病发作而被收治，余生在一家收留顽固患者的精神病院度过。

据说他曾灌录了唱片，但迄今无法证实。

我们所了解的他的音乐来自于另外一些在年轻时曾听过他演出的音乐家们的回忆。

Bunk Johnson（18***1949）曾在Bolden的最后一支乐队里吹过第二短号。

在他生命最后十年，人们之所以能对新奥尔良古典爵士乐重新产生兴趣，其中居功至伟的便是Bunk Johnson。

他是一位杰出的讲故事能手，个性丰富多彩。

新奥尔良的传奇故事大部分与他有关，但由他亲口讲出的基本上以夸张的成分居多。

许多人包括一些资深的爵士乐迷都相信早期的爵士音乐家都是自学成才的天才，认为他们既不识谱又没上过一天音乐课。

这种说法浪漫有余，可是谬之千里。

几乎所有早期爵士乐中重要人物至少在正统音乐基础方面都是很扎实的，有些造诣还要更深。

虽然如此，他们在乐器使用上的创新精神仍是独具的。

最显著的例子要数Joseph Oliver（1885-1938）（绰号国王)，他是个短号手及乐队领袖。

他曾使用过能找到的各种东西，包括饮水杯、装沙子的桶、及浴缸塑料水塞之类的东西来使他的短号吹出多种音色变化。

Freddie Keppard（18***1933）是Oliver的主要竞争对手，Keppard不用弱音器材，这使他可以以作为新奥尔良最嘹亮的短号手而自豪。

Koppard也是第一个将爵士乐带到美国其它地区的新奥尔良人，1915年，他与Original Creole管弦乐队合作在纽约表演轻歌舞剧。

到1912年左右，典型爵士乐队的乐器包括短号（或小号），长号、单簧管、吉他、低音提琴及鼓。

（因为不便搬运，所以很少使用钢琴）。

爵士给人的印象是班卓琴和大号比较突出，实际上爵士乐队开始使用它们还是后来几***，这是因为早期的录音技术还不能对声音更轻柔的吉他和低音提琴进行拾音。

在当时的爵士乐队中担任领奏的是短号，长号与其在低音区以滑音方式与其作 *** 呼应，单簧管在两者中作修饰性的演奏。

在爵士乐中最早作即兴演奏的是单簧管手，Sidney Bochet（1897—1959）就是其中一位。

他不到十岁就是熟练的乐手了，后来他转向以演奏高音萨克斯为主。

他也是第一个在国外扬名的爵士音乐家。

1919年他访问了英格兰和法国，1927年他访问了莫斯科。

大多数的爵士乐手声称他们的音乐没有除了拉格泰姆（ragtime）及切分音之声（syncopated sounds）以外的其它名字。

首先使用爵士（jazz）这个词的是长号手Tom Brown的乐队，他是来自于新奥尔良的一个白人。

他于1915年在芝加哥使用了这个词。

这个词的来源不明，其最初的含义一直是众说纷纭。

第一个使用“爵士”这个词并使之流传不衰的的乐队也是一支白人乐队，而且也来自新奥尔良，这就是“Original Dixieland爵士乐团” (OriginaI Dixieland Jass Band）。

这个乐团在1917、1918年取得了巨大的成动，他们多少算是第一支灌录唱片的爵士乐队。

这支乐队的成员绝大部分都曾在“老爸”Jack Laine（1873-1966）的乐队里干过。

Jack Laine是一个鼓手，被认为是第一个白人爵士乐手。

不管怎么说，在新奥尔良的音乐融合特征比较明显。

有一些肤色不太黑的非裔美国人“混”进了白人乐队。

到了1917年，许多重要的爵士乐手离开了新奥尔良到北方去，这里面有白人也有黑人。

其中的原因并不是新奥尔良臭名昭著的红灯区的关闭，简单地说不过是经济方面的原因。

欧洲大战使美国的工业欣欣向荣，这些乐手和那几百万工人一样涌向北方，在那里有保障可以找到一个更好的工作。

当奥里佛邀请阿姆斯特朗加入他在芝加哥的乐队时，芝如哥成已为新的世界爵士中心。

虽然纽约是“Original Dixieland爵士乐团”（ODJB)取得巨大成功的地方，由他们引起的随乐跳舞的风气一时之兴，但是在纽约的乐队好像只继承了ODJB的杂耍风格，而没有学到其音乐上的精髓。

他们只是模仿而已（第一个也是最成功的是Ted Lewis）。

当时在纽约的南部乐手也少得可怜，所以不能带来新奥尔良的纯正风格。

但在芝加哥情况则有所不同，其中有大量来自新奥尔良的乐手。

禁酒令刚刚废除，这所城市的夜生活可谓丰富多彩。

在这里比别的乐队都好一大截子的是“国王”Joseph Oliver的“Creole爵士乐团”（Creole Jazz Band），特别是在Louis Armstrong于1922年来芝加哥以后。

这支乐团代表了新奥尔良古典爵士合奏风格的最后辉煌，也预兆着新的风格的开始。

除了这两个短号手，乐团中另外的明星包括Dodds兄弟，即单簧管手Johnny Dodds（1892—1940）和鼓手Baby Dodds（1898-1959）。

Baby Dodds给爵士乐的鼓节奏的微妙及内在动力提高到一个新的层次，与另一个新奥尔良出生的鼓手Zutty Singleton（1897—1975）一起，他给爵士鼓演奏带来了“摇摆”的概念。

但是摇摆乐的“传教士”毫无疑问仍是Louis Armstrong。

第一张爵士乐唱片

“Creole爵士乐团”于1923年开始灌制唱片，虽然这不是第一支灌制唱片的新奥尔良黑人乐团，但却是最好。

他们的唱片在全国广为发行，乐团对于其它乐手的影响也是巨大的。

在此两年前，长号手Kid Ory（1886—1973）的“阳光管弦乐团”（Sunshine Orchestra）成为第一个灌制爵士乐唱片的乐团，但是他们是在一家不起眼的加利福尼亚公司灌制的，该公司不久破产，他们的唱片因此很少被人听到。

也是在1923年，“新舆尔良节奏之王”（New Orleans Rhythm Kings）——一支活跃在芝加哥的白人乐团开始录制唱片。

这支乐团在音乐上远比以前的“Original Dixieland爵士乐团”复杂。

在一次录音中，他们聘用了来自新奥尔良的著名的钢琴手兼作曲家绰号为“果冻卷”（Jelly Roll）的Ferdinand Morton。

同年，Ferdinand Morton也开始了自已唱片的录制。

谁知道爵士乐的详细的发展史，要重要的人物及作品

重要的音乐家及音乐作品诺拉琼斯1979年出生于纽约(4岁和母亲迁居至德州，求学过程都在德洲)，15岁进入“乾净灵魂美声”艾瑞卡巴度母校Booker T. Washington中学主修表演及视觉艺术，从此与爵士乐结下不解之缘。在连续获得Down Beat学生音乐奖96年及97年“最佳爵士歌手”音乐奖后，99年夏天，她趁著暑假前往纽约，立刻爱上曼哈顿活力充沛的音乐环境。2000年秋，签入Blue Note，成为Blue Note音乐大厂中最年轻的爵士女伶。 诺拉-琼斯的新碟《不知何故》(Don’t Know Why)在第45届格莱美大奖上共获八项提名，并且无一落空，共获得年度最佳唱片、年度最佳专辑、年度最佳单曲、年度最佳新人、最佳流行女歌手、最佳流行乐演唱专辑、最佳非古典录音工程专辑、年度古典制作人八项大奖，成为本次格莱美奖的最大赢家。 我最喜欢come away with me了，2002年的专辑。 Norah Jones出生于音乐世家，父亲是著名的印度席塔琴演奏家Ravi Shankar。在达拉斯的Booker T. Washington高中，学习钢琴和表演的时候，她沉醉到了爵士乐中，结束了在北德克萨斯的两年大学生活以后，Norah Jones来到了纽约，纽约的音乐氛围令Norah Jones激动不已。在这里Norah Jones开始热衷于一些出色的词曲作者的作品，也是在这里，她逐渐形成了目前爵士钢琴，创作型的风格，并开始尝试多种音乐风格的融合。后来Norah Jones和词曲作者Jesse Harris，以及贝斯手Lee Alexander组成了一支小乐队，Norah Jones在乐队中担任主唱并兼奏钢琴。2000年10月Blue Note Records为他们录制了一张试音专辑《First Sessi***》，Norah在专辑中尽情展示了自己的才华，在创作中她在源于爵士乐的曲调中加入了自己的激情，并用自己圆润，柔美的嗓音打动了唱片公司，于是仅过了三个月Norah Jones正式签约Blue Note Records，并于2002年2月26日发布了第一张专辑《Come Away With Me》。 Norah Jones获得了2003年葛莱美最佳新人奖，《COME AWAY WITH ME》获得了年度专辑奖，最佳流行乐演唱专辑，《Don’t Know Why》获得了年度最佳唱片奖，和最佳年度单曲奖，Norah Jones因《Don’t Know Why》获得了最佳流行女歌手奖。 在2002年，一个并不算很年轻的女歌手的**作专辑，给整个美国歌坛，特别是爵士乐坛以强大的冲击，这就是Norah Jones和她的《Come Away With Me》。一时间随着销量的稳步增长，好评和质疑如潮水般涌来，如今在乐评家们的争议声中，《Come Away With Me》已经悄然在Billoard专辑榜上驻扎了66周，并且丝毫没有褪色的迹象。 凭借着自己过人的实力，Norah Jones不仅在专辑中演唱了自己和朋友创作的歌曲，并且还成功的翻唱了乡村音乐前辈Hank Williams的《Cold Cold Heart》，J.D. Loudermilk的《Turn Me On》，和传奇的爵士乐大师Hoagy Carmichael的经典名曲《The Nearness Of You》，在目前最出色的唱片制作人之一的Arif Mardin的监制之下，Norah的强大实力和自信以及令人倾佩的天赋在专辑中展露无遗。 这张充满了Norah Jones个人风格的专辑，和目前的流行音乐大为不同，创作型的音乐和钢琴演奏，以及对传统爵士乐的发展和突破，使这张唱片正逐渐成为新世纪爵士乐的经典唱片(也许我们并不能称之为爵士专辑)，与传统的慢节奏爵士相比，这张专辑中加入了更多的流行音乐元素，时而清晰明快的流行节拍，时而乡村怀旧的曲调，时而又象是民谣般的演唱，然而这些新元素的融合无不是基于传统的爵士乐基础。Norah对于传统爵士乐，无疑将是一次震荡 个人推荐：the nearness of you，老歌翻唱非常好，自弹自唱功力深厚。对爵士乐感兴趣的去听come away with me专辑，偏乡村推荐home。新歌也可以听听，但个人感觉没有前两盘做得好。

爵士乐的前世与今生 · 今生

​承接上次的话题，爵士乐在19世纪末产生后，经过半个多世纪的演变，到20世纪中叶时慢慢退出了大众化的市场。本期内容主要为您介绍现代爵士的主要发展历程。                                                （上期内容： 爵士乐的前世与今生 · 前世 ） ​冷爵士（Cool Jazz） 20世纪50年代，冷爵士（也叫酷派爵士）慢慢走进了人们的视野。相对于波普爵士（Bebop）来说，这是一种不过分渲染演奏技术难度，而是重点把握音乐整体结构的爵士风格。在听觉上，冷爵士要比波普舒缓柔美得多，营造一种冷清忧郁的氛围。最常见的冷爵士形式莫过于由鼓、钢琴和贝司组成的爵士三重奏，这种三重奏入耳松弛而细腻。在演奏上，将乐队编制缩减到3~6人，较少出现泛音和颤音（将传统爵士乐的“棱角”磨平），同时也基本不再即兴演奏。由于这种爵士风格集中在美国的西海岸，所以冷爵士也叫“西海岸爵士”（West Coast Jazz）。 熟悉冷爵士的人一定了解“黑暗王子”Miles Davis，他可谓是冷爵士风格首屈一指的音乐家。Miles Davis九岁开始接触小号演奏，成长路上受到了Coleman Hawkins，Charlie Parker等爵士大家的帮助，在40年代末开创性的创造了冷爵士。这位把音乐当作生命的小号手后来还参与缔造了硬波普（Hard Bop），融合爵士（Fusion）等多种爵士曲风，实乃不可多得的音乐天才。 同样出色的还有一位冷爵士小号演奏手Chet Baker，他同时也是一名爵士歌手。在他的整个爵士乐生涯中，他没有写过任何一首曲，音乐界却都评价他“极富创造力，常能为乐曲注入灵性”。Chet Baker最出名的便是他于23岁同低音萨克斯手Mulligan演奏的一曲《My Funny Valentine》，也正是这首歌曲，把Chet Baker的职业生涯推向了春天。 自由爵士（Free Jazz） 20世纪60年代，由于美国黑人民权运动的推动，自由爵士诞生了。自由爵士是一种极为大胆的尝试，是一种不走寻常路的突破。它舍弃了原有的爵士乐的和弦结构，运用变化的节奏和不重复的叠句，用“混搭”风格的乐器进行演奏，从而展现出一种“自由”的音乐形态。既然自由爵士追求自有，也就当然少不了贯穿爵士音乐历史的即兴演奏。虽然从乐队编制上来看，自由爵士和以往并没有太大的差别；但对于听众来说，这种过于“自由”的“混搭风”是难以接受的，哪怕自由爵士拥有爵士史上从未有过的前卫思想性，最终也只能成为爵士音乐家们的把戏。 有人说：“如果你在爵士乐中听到异域风和实验味道，那便是自由爵士没错了。” 自由爵士的创始人是Ornette Coleman，他于1960年录制了专辑《Free Jazz》，人们就以其专辑名命名这种新型爵士乐。后期在萨克斯管演奏家，“自由爵士乐精神教父”John Coltrane的带领与发扬下，自由爵士达到了一种全新的高度。但随着美国黑人民权运动告一段落，同时囿于能够欣赏自由爵士的听众少之又少，自由爵士渐渐衰落。 融合爵士（Fusion） 在20世纪六七十年代，摇滚乐在全世界掀起了一股浪潮，受到了许多年轻人的追捧，大量的年轻音乐家也倾向于演奏摇滚以获得更多听众。摇滚可以说是“一夜之间抢了许多爵士音乐家的饭碗”，那些传统的爵士音乐家们——除非是那些最大牌的爵士乐手，才能够吸引少量的爵士乐迷。爵士乐的市场面临着前所未有的挑战。 我们之前提到的Miles Davis，这位先锋派爵士音乐家汲取了一些摇滚的元素，在传统的爵士乐中引入了电子乐器，同时增加节奏乐器的节奏强度，甚至是把钢琴这种原属“旋律组”的乐器纳入“节奏组”，使得爵士乐东山再起、卷土重来。由于爵士和摇滚有着相同的祖先（即布鲁斯、福音），这种融合起来的爵士竟然显得十分协调、自然。这种爵士被成为“融合爵士”。 虽然融合爵士吸引了一些眼球，但是客观来讲，融合爵士的出现已经在失去爵士乐个性的道路上迈出了第一步。 酸爵士（Acid Jazz） 自融合爵士起，人们在爵士里大量融合了灵魂音乐（Soul）和放克音乐（Funk）的成分，爵士乐的调式和声和拍子从此发生了很大改变。到了20世纪80年代末，爵士乐与嘻哈音乐（Hip-Hop）结合到了一起，从此产生了酸爵士（也叫迷幻爵士）。酸爵士除了继承融合爵士的衣钵（即融合了大量电子元素），甚至加入了嘻哈的DJ“刮擦”和说唱等元素。酸爵士实际上是一种将爵士音乐流行化、商业化的产物，唱片商利用爵士乐当做诱饵吸引听众来获得更多的商业价值。酸爵士很大程度上失去了爵士乐的内核和个性。 至于酸爵士的名称由来，其实正确的翻译应该是“迷幻爵士”。在英语俚语中的Acid有某种***（***）的意思，但是Acid这个词人们通常理解成“酸的”，如此才造成了“酸爵士”的乌龙。 爵士乐大致的发展历程讲到这里就告一段落了。想要了解更多内容？请关注“爵士爱好者”公众号，多篇深度好文等你来。

爵士乐的发展历程是怎么样的

在早期的爵士乐舞台上，散拍乐除了与步态舞有关连外，也发展成结合流行音乐、进行曲、华尔兹与其他流行舞蹈的形式，散拍乐歌曲、乐器独奏与管弦乐队编制的曲目。到了1917年，白人团体狄西籣爵士乐队（OriginalDixielandJazzBand)灌录的历史上第一张狄西籣爵士乐风的唱片后，他们的乐风在很短的时间内席卷整个美国，造成轰动。而扮演先锋部队角色的散拍乐，正逐渐退出主流爵士舞台，它在20年代被化身为『跨步（Stride)』钢琴独奏乐风，出现在：詹姆斯.彼.强生（James.P.Johnson)、胖子.华勒（FatsWaller)、威廉『狮子』.史密斯（William"TheLion"Smith)的多主题（Multi-theatic）即兴演奏散拍乐中。在40年代中后期、50年代和70年代，它也曾经被一些有心的爵士乐手短暂的复辟过，已有一百年历史并且与爵士乐紧密结合的散拍乐，似乎已无法再创昔日光辉灿烂的伟大时代了。

爵士的爵士的起源1

Ragtime Blues与已有形式融合事情发生在1917年的一个夜晚，在纽约的一家名叫赖森威的夜总会里出现了一个由五个白人组成的乐队，他们自称为“正宗狄克西兰爵士乐队”，他们演奏着一种十分新奇的音乐，这种音乐似乎有一种特殊的魅力，使跳舞的人感到十分轻松，而且越跳越高兴。第二天一家杂志对这一事件进行了报道和评论，立即在社会上产生了很大反响。随后，这一乐队录制的唱片也被人们竞相购买，同时，爵士这一次也成为美国词汇中的常用词了。 它们还鲜有那种衍生出现代爵士乐的基本特征(即兴，音色、音高与时值上的微妙变化)。一些热衷于报道爵士音乐的专栏作者与观察者，通常本身并非是受过专门训练的音乐研究者。当我们想从他们的报道中了解些专业的知识时经常会陷入困窘之中，因为访谈中记录下的对话通常很少涉及实质性的问题(从早期爵士乐手演奏角度提问的)。采访者几乎不会问及这些早期音乐家有关音乐方面的关键性问题，而把采访角度倾向于个人经历与社会话题上。即使采访者问及探索音乐方面的问题，被采访者的如实回答也比不上一段真实的音乐资料来得准确与有价值。爵士乐的起源问题始终笼罩着一层迷雾，然而，接下来我们还是尝试着整合一下从各个角度对这个问题的研究成果。当你阅读时，始终要记着爵士乐并不是完全这样起源的，即使这些观点看上去多么得合理与符合逻辑。爵士乐源自于二十世纪初期新奥尔良一带民间音乐、流行音乐、古典音乐的融合。它至少是由两股潮流演变发展而来，一是美国黑人在音乐上的创造性的贡献－Ragtime和Blues，这在后面我们会谈到；其二是一些已有的音乐形式(当时的流行音乐、进行曲、四对舞曲quadrilles等等)表演上往两个特殊方面的不断探索。一种是强调色彩化地变换音高，这种音高变换在正统的欧洲音乐中会被视为离调、走音，但在爵士乐中却很常见不被看作为是出错或非正规的演奏技巧；另一种是强调音色的粗犷与变化。这两种以外还有一种特殊的演奏方式被称为Ragging，Ragging是指为了选择音符切进或强调重音而抢拍、拖拍的手法，它把本不切分的音型进行切分处理来造成Ragging的效果。这使得音符与音符以一种含糊不清的方式来连接，而重音则起到一种推动音符和使之生动化的作用，最终导致我们视作为爵士乐的特殊节奏效果的形成，也是爵士摇摆感的构成基础之一。但是一般的学者在这一点上不全这么认为，他们中大多数把爵士乐的摇摆感看作是非洲或美国黑人的一大贡献。音乐研究者认为这种音高与音色上的演进对爵士管乐演奏者来讲并不是直接来自于对非洲黑人演唱的模仿，相反它来自于对更为宽的区域范围、更具想象力的声音(黑人的田间号子、做工歌、街头小贩的叫卖声、布鲁斯等)的模仿。这些素材被Minstrel Show(十九世纪起源于美国的一种由白人扮演黑人进行表演、演唱黑人歌曲的演出)使用时始终具有幽默与叙事效果。举个例子，在Original Dixieland Jazz Band1917年的录音“Livery Stable Blues”中可以听到模仿美国传统谷仓舞的音乐。这种不断发掘乐器演奏的各种声响的倾向可能部分来自于非洲音乐的传统，但我们必须记得相似的这种传统还存在于同时代新奥尔良不同种族的人群中。举个例子，与爵士乐同时期在新奥尔良出现的美洲盎格鲁萨克森和爱尔兰苏格兰音乐也有那种随意变化音高的传统，也倾向于产生那种我们称之为的蓝调音。换句话说，这种演奏倾向也不是美国黑人音乐传统必然和独有的一种体现。(无论我们试图区分何种音乐，都必须牢记由许多音乐融合形成的爵士乐除了通常为人们所津津乐道特点外，与其他音乐更有着很多的共同特征。举个例子，早期的爵士乐的节奏同样可以在古典音乐和衍生于欧洲的流行歌曲中听到，不仅仅存在于非洲和美国黑人民间音乐之中。不过，爵士乐在音乐特征上与非洲音乐确有好多共同之处，从起源至今，不同风格流派的爵士乐时期，有着非洲血统的黑人音乐家在数量上要超过白人音乐家。如果要了解这种现象背后的必然性的话，我们有必要去关注一下历史和爵士乐发展成形的环境。早期的爵士乐并没有机会来与非洲音乐直接接触吸收那些非洲音乐的特征，它是通过二手间接的渠道来获取的(当时美洲新大陆的一些其他类型音乐通过与非洲音乐的接触吸纳了一些非洲音乐特征)。要理解为什么会如此，就要晓得一下非洲黑奴是何时被贩卖到美国来的，他们不允许携带乐器，原先同一村庄与家族的人都被打乱分开安置在一起，使得一群奴隶之间都没有共同的可以使用的语言。然而，他们对音乐的热爱与一些传统还是保存了下来，依靠着共同的传统与对音乐的热爱，这些奴隶与其后代们不断地篡改像教堂赞美诗、民谣、舞曲等欧洲音乐。这也就是通常黑人音乐家演奏一些欧洲音乐时总是听上去有些怪怪的原因。